DIBUJAR es para mí lo que es el viaje para Sorela “algo que no sucede frente a los ojos, sino detrás de la mirada

 

LA LUZ DE LAS SOMBRAS II

 

La luz de las sombras I

 

El sombreado es, en el dibujo, el efecto producido por la representación de la iluminación que acusa el relieve de los objetos. esta es una cuestión que abarca dos aspectos; uno es el puramente técnico que enseña a resolver de maneras distintas la forma de expresar las diferencias de tono "la valoración de un dibujo" según la terminología académica; el otro aspecto es el del significado, la consideración estética y la fortuna crítica del claroscuro en los dibujos.

El sfumato es la técnica que Leonardo da Vinci usaba para difuminar los contornos de las formas con lo que mejoraba la atmósfera de la pintura. Se basó en su teoría científica sobre “el espesor transparente del aire" dicho de otro modo, el sfumato consiste en eliminar los contornos netos y precisos de las líneas y diluir o difuminar éstos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera, dejando así siempre algo a la imaginación del espectador.

Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y formas propias, que cambian por efecto de la luz. Estas propiedades varían el volumen y el color de los objetos. Esta técnica fue excelentemente lograda en sus obras La Gioconda y en San Juan Bautista.

"Traduzco por sombra y luz las palabras yin y yang, que en la mayoría de las traducciones aparecen en chino y que significan, literal y respectivamente, la umbría y la solana,el lado oscuro y el lado luminoso de un arroyo, las dos vertientes de una misma montaña: los dos aspectos dinámicos, contrarios y complementarios de la misma unidad primordial (en la cosmología el dos que emana del uno), de cuya interacción surgen todos los seres y los cambios. Yin es el aspecto oscuro, opaco, húmedo, frío, quieto, femenino; corresponde a la tierra, al norte, a la luna, al agua, a la muerte. Yang es el aspecto claro, diáfano, seco, cálido, activo, masculino; corresponde al cielo, al sur, al sol, al fuego, a la vida. La continua tensión de yin a yang y de yang a yin constituye el movimiento del mundo, y la combinación de ambos, siempre dinámica, constituye la realidad de las cosas, que es lo que expresa esta imagen de los seres que llevan a la espalda la sombra y en brazos la luz: tradicionalmente, el rey se sentaba de cara al sur, las casas estaban siempre orientadas hacia el sur, etc.., de ahí que lleven en brazos (que tengan delante) la luz; lógicamente, el norte quedaba detrás y, de hecho, el carácter que lo representa (bei) también significaba antiguamente espalda"

Traducción del Tao Te King de Ann-Hélenne Suárez Girard

Dibujo como meditación, los espacios negativos

 

 

El poeta John Keats escribió que para entender la poesía es necesario ponerse en un estado mental especial, al que Keats llamaba «capacidad negativa». Describió este estado como aquél en el que una persona «es capaz de estar en la incertidumbre, el misterio, la duda, sin buscar ansiosamente los hechos y la razón.

El hombre adquiere conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea por medio de sus sentidos. A partir de los estímulos que recibe a través de ellos  descubre, organiza y recrea la realidad, adquiriendo conciencia de ella por medio de la Percepción. Este tema es tan fundamental para el arte que constituye su propia esencia.  El análisis de esta visión normalmente se realiza sobre un plano, donde caben representadas las formas de un mundo material o imaginado, de otras dimensiones que las propias de la superficie que las contiene. Este fenómeno, que presenta un continente menor que el contenido, es un permanente desafío que aborda resueltamente el artista de todos los tiempos. En el campo del dibujante se producen los más tensos conflictos, ya que su actividad se extiende no sólo a la percepción de las formas del espacio sino que ha de representarlas mediante códigos convincentes sobre el plano. Se mueve en el continuo dilema del conocimiento racional de los objetos y la captación visual de los mismos; entre representar las cosas "como son" o como "se ven", entre la presentación de estímulos y sensaciones, y los resultados obtenidos por la percepción.

Una vez emprendido el camino siempre existe la sensación de que en el próximo dibujo veremos mejor, captaremos más verdaderamente la naturaleza de la realidad, expresaremos lo inexpresable, encontraremos el secreto detrás del secreto. Tal como dijo el gran artista japonés Hokusai, aprender a dibujar es una tarea que nunca termina.

Habiendo logrado pasar a un modo nuevo de ver uno puede encontrarse profundizando en la esencia de las cosas, una forma de conocimiento que tiende al concepto Zen del satori, tal como lo describe D.T. Suzuki en sus textos. Al adquirir una mejor percepción se adopta un nuevo enfoque de los problemas, se corrigen viejos errores, se suprimen los estereotipos que enmascaran la realidad y nos impiden ver con claridad.

 

                   El Zen del dibujo. Seeing&Drawing as meditation,Frederick Frank.

Lineas y espacios-notas y silencios

 

Dibujar es tratar de lograr una unión entre aquello que pensamos, sentimos e intuimos y aquello que expresamos, a través de la línea, su valor, su desplazamiento en el espacio, sin el cual la línea no puede manifestarse. También es un medio para conocer y comprender el mundo que nos rodea, así como conocernos y comprendernos a nosotros mismos.

La línea y el vacío son los elementos esenciales al dibujo, es por ello necesario remitirnos a lo que podríamos definir como línea y como vacío. Diferentes asertos convienen en que la línea se define como figura en la cual un trazo muy fino proporciona la imagen. Esta tesis nos lleva a ver la línea en su connotación de cuerda, cadena, cola, columna, dirección. Otras definiciones serán: un punto que se desplaza engendra una línea. Aquello que pone un límite, una separación, una frontera. En matemáticas la línea es la intersección entre dos espacios. También es la configuración del espacio comprendido entre el cuerpo de los adversarios en la esgrima. Si tomamos esta última definición de la línea en la esgrima para acercarnos a lo que es la línea en el dibujo, ella representa el espacio, ella es el espacio.

El vacío -nos dice el diccionario- quiere decir que no contiene nada, espacio vacío puede ser aquel que solo tiene aire; físicamente se habla de vacío como aquel espacio que no contiene ningún cuerpo material, es un espacio donde las partículas no tienen densidad. La expresión de estos dos espacios: de la línea y del vacío, no puede darse si no hay interiorización de estos en nosotros, tal como lo apreciamos en la caligrafía zen, el trazo es el resultado de la concentración en éste y la respiración, lo mismo que en el tiro al arco, en el que la postura, la tensión del arco, la concentración y la respiración, logran que (sin apuntar), el tiro acierte en el blanco.

De la misma manera el pintor oriental debe asimilar el paisaje para luego realizarlo. Los dos contrincantes en la esgrima trazan con la espada, el dibujante tiene como contrincante ese espacio vacío del papel, de la tela o de cualquier soporte, el espacio mismo, su espada será el carboncillo, el lápiz o el pincel.

Si nos referimos a la esgrima, es también por ese desplazamiento de los cuerpos: en el dibujo, el dibujante, (esto también le sucede al pintor), determina su trazo sincronizado a su movimiento corporal, de su mano y brazo o de todo su cuerpo. Para crear la línea y su movimiento, el sujeto que traza debe desplazarse al mismo tiempo que traza, y así la línea y él se desplazan dentro de un mismo espacio. Es decir que el movimiento de la línea depende de ese movimiento corporal del ejecutante. El cuerpo y la mente del dibujante forman parte del dibujo y se vuelven uno con él. En este viaje interior cada alumno se ha concentrado en varios elementos que ha tratado de expresar por medio de la línea su valor, su desplazamiento en el espacio y el vacío.

Si concebimos la línea y el vacío dentro del contexto de lo que llamamos espacio, podríamos decir que la línea determina el espacio y se determina a sí misma como espacio, e irrumpe y se interrelaciona con el vacío que es también espacio; de este modo el dibujo será la expresión de esta interrelación entre estos dos espacios: el de la línea y el del vacío. Será expresión del espacio determinado por la línea y la superficie en la que ella se inscribe. El dibujo en sí es una reflexión sobre el concepto de espacio a través de la línea y el vacío, como expresión de la interrelación entre ellos. Si el espacio es una forma de nuestra sensibilidad entonces la línea y el vacío en tanto que espacios son formas de nuestra sensibilidad. El espacio es una intuición de nuestra sensibilidad que adquiere materialidad en el dibujo.

Contorno ciego

 

Del texto The Zen of Seeing de Frederick Frank

WALKSCAPES walking as an aesthetic practice

En uno de los pasajes de Walkscapes: El andar como práctica estética se dice que “el mundo es un enorme lienzo, el cual es pintado al caminar. Una superficie que no es una página en blanco, sino un histórico y geográfico sedimento en el cual se van añadiendo capas y más capas”  Pero la práctica de caminar, de escribir el paisaje urbano con nuestros pies, no es únicamente un modo de moverse a través del tejido urbano.

Video Stop motion/ proyecto 720 / Grupo de investigación 700REPART

Líneas y resonancias / apuntes sobre el dibujo.

 

Ejercicio con Lápiz pastel blanco sobre cartulina negra

 

Cuando pintamos sobre papel negro es importante tener en cuenta lo que implica. Cuando dibujamos con negro sobre blanco nos centramos en las sombras, destacando las partes oscuras con lápices de tonos negros. En cambio con el papel negro el proceso se invierte: debemos pintar solo las luces, añadiendo color en los reflejos y partes claras.

Es normal que por costumbre, nuestro cerebro nos lleve a pintar las sombras en vez de las luces al principio. Para entender esta técnica es interesante comenzar con lápices de color pastel o tizas sobre un papel liso, de grano fino o medio.

1.- Para poder realizar el primer boceto y que sirva de guía se debe utilizar un lápiz blanco de forma suave.  En este papel los trazos destacan más que en el blanco por lo que es muy importante dibujar con cautela.

2.- Una vez realizado el primer boceto se debe cubrir con un tono uniforme y muy suave todo lo que no sea oscuridad, de forma que haya una diferencia clara entre la oscuridad absoluta y el color.

3.- Una vez definidas la luces y las sombras se debe comenzar a sacar el volumen de la imagen, sin llegar a las luces más fuertes, le damos forma al diseño para que no se quede plano.

4.- Cuándo el volumen del diseño está definido llega el punto de hacer las luces y los reflejos finales. De esta forma aplicamos más color a las luces más intensas.

Drapeado los pliegues de la forma

 

Un drapeado es un dibujo de una tela, de un papel, de una melena… en definitiva de algo con arrugas, con pliegues y, por tanto, con luces y sombras que hacen que el dibujo tenga relieve. La complejidad de los drapeados radica en entender desde dónde cae la luz sobre la tela, para poder así trabajar la forma y los volúmenes.

Uno de los modelos clásicos para esta práctica es el drapeado, es decir el dibujo de una tela o trapo normalmente arrugado, con pliegues, de manera que presenta muchos y variados relieves, volúmenes y formas, por tanto gran cantidad de luces y sombras. Esta complejidad nos obliga a determinar la procedencia de la luz para entender las zonas de diferentes claroscuros.

El término drapeado es una castellanización del término francés drapeau (léase drapó) que significa bandera y por extensión lo aplicamos a tela o trapo.

SANGUINA Y SEPIA

La sanguina es similar al pastel es decir pigmentos secos en polvo. Está hecha con una variedad de óxido de hierro llamada hematites. Se presenta en forma de barra o como lápiz.  Los matices van desde el escarlata al carmesí, del rojo al castaño o rojo muy oscuro. Los pigmentos están mezclados con caolín, que es un tipo de arcilla de altísima finura y calidad con la que se fabrica la porcelana.

Por sus matices cálidos se utiliza mucho para el retrato y el desnudo en combinación con el carbón y la tiza blanca.

Las barras y lápices sepia son  otra variante del pastel. Es caolín tintado. Se llama así por que su color antiguamente se obtenía de la tinta de la sepia o jibia un cefalópodo parecido al calamar. 

Es muy resistente a la luz y se fabrican en tonos claros y oscuros. Es un color anaranjado oscuro, no tan rojizo como la sanguina. que vira a marrón o terracota oscuro, por esto sus variantes reciben el nombre de marrón sepia, pardo sepia y ocre sepia. Estas variantes se deben a que la tinta de la sepia no es siempre de un solo color sino que abarca una gama desde el marrón al gris.

El manejo de la sepia es el mismo que  el de la sanguina, la razón por la que la utilizo ahora es simplemente por aportar otros matices y mostrar otros materiales.

LA LUZ DE LAS SOMBRAS II

 

 

La Luz de las sombras

 

El sombreado es, en el dibujo, el efecto producido por la representación de la iluminación que acusa el relieve de los objetos. esta es una cuestión que abarca dos aspectos; uno es el puramente técnico que enseña a resolver de maneras distintas la forma de expresar las diferencias de tono "la valoración de un dibujo" según la terminología académica; el otro aspecto es el del significado, la consideración estética y la fortuna crítica del claroscuro en los dibujos.

El sfumato es la técnica que Leonardo da Vinci usaba para difuminar los contornos de las formas con lo que mejoraba la atmósfera de la pintura. Se basó en su teoría científica sobre “el espesor transparente del aire" dicho de otro modo, el sfumato consiste en eliminar los contornos netos y precisos de las líneas y diluir o difuminar éstos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera, dejando así siempre algo a la imaginación del espectador.

Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y formas propias, que cambian por efecto de la luz. Estas propiedades varían el volumen y el color de los objetos. Esta técnica fue excelentemente lograda en sus obras La Gioconda y en San Juan Bautista.

"Traduzco por sombra y luz las palabras yin y yang, que en la mayoría de las traducciones aparecen en chino y que significan, literal y respectivamente, la umbría y la solana,el lado oscuro y el lado luminoso de un arroyo, las dos vertientes de una misma montaña: los dos aspectos dinámicos, contrarios y complementarios de la misma unidad primordial (en la cosmología el dos que emana del uno), de cuya interacción surgen todos los seres y los cambios. Yin es el aspecto oscuro, opaco, húmedo, frío, quieto, femenino; corresponde a la tierra, al norte, a la luna, al agua, a la muerte. Yang es el aspecto claro, diáfano, seco, cálido, activo, masculino; corresponde al cielo, al sur, al sol, al fuego, a la vida. La continua tensión de yin a yang y de yang a yin constituye el movimiento del mundo, y la combinación de ambos, siempre dinámica, constituye la realidad de las cosas, que es lo que expresa esta imagen de los seres que llevan a la espalda la sombra y en brazos la luz: tradicionalmente, el rey se sentaba de cara al sur, las casas estaban siempre orientadas hacia el sur, etc.., de ahí que lleven en brazos (que tengan delante) la luz; lógicamente, el norte quedaba detrás y, de hecho, el carácter que lo representa (bei) también significaba antiguamente espalda"

Traducción del Tao Te King de Ann-Hélenne Suárez Girard

 

EL CROSSHATCHING

shading, hatching, cross hatching, stippling, scribbling.

 

 Dibujo como meditación, los espacios negativos

El poeta John Keats escribió que para entender la poesía es necesario ponerse en un estado mental especial, al que Keats llamaba «capacidad negativa». Describió este estado como aquél en el que una persona «es capaz de estar en la incertidumbre, el misterio, la duda, sin buscar ansiosamente los hechos y la razón.» 

El hombre adquiere conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea por medio de sus sentidos. A partir de los estímulos que recibe a través de ellos  descubre, organiza y recrea la realidad, adquiriendo conciencia de ella por medio de la Percepción. Este tema es tan fundamental para el arte que constituye su propia esencia.  El análisis de esta visión normalmente se realiza sobre un plano, donde caben representadas las formas de un mundo material o imaginado, de otras dimensiones que las propias de la superficie que las contiene. Este fenómeno, que presenta un continente menor que el contenido, es un permanente desafío que aborda resueltamente el artista de todos los tiempos. En el campo del dibujante se producen los más tensos conflictos, ya que su actividad se extiende no sólo a la percepción de las formas del espacio sino que ha de representarlas mediante códigos convincentes sobre el plano. Se mueve en el continuo dilema del conocimiento racional de los objetos y la captación visual de los mismos; entre representar las cosas "como son" o como "se ven", entre la presentación de estímulos y sensaciones, y los resultados obtenidos por la percepción.

Una vez emprendido el camino siempre existe la sensación de que en el próximo dibujo veremos mejor, captaremos más verdaderamente la naturaleza de la realidad, expresaremos lo inexpresable, encontraremos el secreto detrás del secreto. Tal como dijo el gran artista japonés Hokusai, aprender a dibujar es una tarea que nunca termina.

Habiendo logrado pasar a un modo nuevo de ver uno puede encontrarse profundizando en la esencia de las cosas, una forma de conocimiento que tiende al concepto Zen del satori, tal como lo describe D.T. Suzuki en sus textos. Al adquirir una mejor percepción se adopta un nuevo enfoque de los problemas, se corrigen viejos errores, se suprimen los estereotipos que enmascaran la realidad y nos impiden ver con claridad.

                   El Zen del dibujo. Seeing&Drawing as meditation,Frederick Frank.

OTROS EJEMPLOS DE ESPACIO NEGATIVO

APLICACION INTERESANTE EN UNA OBRA DEL ESPACIO NEGATIVO: